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Ausstellungen
- Projekte (Auswahl)
Texte
zur Ausstellung:
Monika
Monika
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Kunstverein
Paradigma, Linz
...eine geringfügige
Veränderung einer Rolle und das ganze System kann blockieren....
ega: frauen
im zentrum, Wien
1 (Hochzeitsfotos / Standfotos über Suchmaschinen im Internet gefunden, in Videoformat übertragen, wechseln im videoloop in einer raschen Abfolge ab; im Hintergrund ziehen durch die schnelle Bewegung nicht mehr erkennbare Aufnahmen vorbei; Teile dieser Aufnahmen durchdringen die Paare und drängen an die Oberfläche)
frauen-kunst-festival
femme:os, sigharting / oö
Die Rolle, das
ist das Funktionieren eines Wesens im Gesellschaftsgefüge,
erscheint oberflächlich nach einfachen Schemen zu erfolgen.
Werden diese aber auch nur geringfügig verändert, kann
das gesamte System blockieren.
1001 + 1 Nacht
- fragmentierte Erzählstücke |
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1) Video: Monika II; 4 min. 6 sec (videoloop); 2000 |
| 2) Monika: Digitaldruck; kaschiert auf Aluplatte; 2-teilig; je 150 x 112,5 cm; 2000 |
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Video-Computer-Lichtinstallation
beim Werndldenkmal Steyr (gemeinsam mit Tassilo Blittersdorff) architektonische
und mediale Erweiterung des bestehenden Denkmals von Josef Werndl
(Begründer der Österreichischen Waffenfabrik)
Foto:
Foto:
Foto: ---
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Bernadette Huber Kulturzentrum bei den Minoriten, Graz 21.10. - 12.10. 1998 |
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Pressetext Neben einem Gang
mit Leuchtobjekten (Marienbilder und Alltagszitate) gelangt der
Ausstellungsbesucher in einen abgedunkelten Raum. Eine monotone
Geräuschkulisse erwartet ihn dort, unterbrochen von Gesang
und von Ausschnitten einer Rede eines (wegen einer Frau) in Bedrängnis
geratenen (Macht)mannes (-grundsätzlich ist sie ein guter Mensch
und ich wollte ihr helfen - ich hatte eine unziemliche Beziehung
unterhalten, das war falsch....) Diese (Macht-) spiele kehren sich
im dunklen Raum anscheinend um: die Frau erscheint. Das Wunder von
Lourdes kann jeder für sich erlebbar machen, Erwartungshaltungen
vom Idealbild Frau (Madonna mit Barbiekörper) können erfüllt
werden. Diese Mariendarstellungen-erscheinungen, die interaktiv
(durch Knien auf Gebetspolstern ausgelöst) die weiterlaufende
Audioinstallation "stören", werden in einen neuen
Sinnzusammenhang gebracht. Die Rolle der Frau, der Maria ist vorgegeben:
Sie ist nichts Zufälliges, sie ist ein Konstrukt, in das Männer
ihre Sehnsüchte projeziert haben. Sie ist die Schaffung eines
Frauenbildes nach eigenen Wünschen. Symbolisch wird der Körper
Marias zum Kommunikationssystem. Eine Projektion (bei dieser Ausstellung
im doppelten Sinn) einer Erwartungshaltung nach außen schafft
eine Realität, die es nicht gibt. Eine "öffentliche"
Erscheinung, die nicht nur (armen) Frauen und Kindern erscheint,
sondern über "Abruf" jedem/r verfügbar gemacht
werden kann, erfüllt kollektive Erwartungshaltungen und kollektive
Wahrnehmungsphänomene. Maria liefert das Programm, wie man
sie gerne sehen möchte. Die Programmauswahl ist gering, das
Programm unseren Erwartungshaltungen entsprechend fix vorgegeben.
Im nächsten Raum ladet 1 Spielfeld am Boden des Raumes mit
Kreide aufgezeichnet ein, sich einem Spiel zu nähern, das aus
Kindheitstagen vertraut erscheint. In einem Hüpfspiel (bekannt
als Tempelhüpfen - mit einer virtuellen Einteilung der Realität
in Himmel und Hölle) kann der Besucher seine Geschicklichkeit
in Bewegung - Steuerung sich selbst und dem Galeriepublikum unter
Beweis stellen. Vorgegebene Felder müssen nach einem vorgegebenen
Hüpfschema "richtig bespielt" werden. Eine fernsteuerbare
Madonna auf Rädern wird in immer verschiedene Felder gelenkt,
sie gibt quasi den Weg dieses Hüpfrituals vor, der Spieler
hüpft in dieses Feld, führt die Madonna aus dem Spielfeld
und verläßt dieses dann selber auch wieder. Eine Spielanleitung
auf einem Videobildschirm zeigt das "richtige" Spielverhalten.
Das Spielverhalten des Galeriepublikums wird ständig überwacht
und im Spielraum auf einem Monitor übertragen. |
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Kulturzentrum
bei den Minoriten, Graz, 1998
1 Spielfeld, mit
Kreide aufgezeichnet 1 Madonna auf Rädern, ferngesteuert 2
Monitore, 2 Recorder, 1 Überwachungskamera 5 Spielkarten, 6
Andachtsbildchen
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Galerie im Traklhaus, Salzburg 1997 |
Erwähnung Text und Kritik Peter Assmann: Männerbilder. In: Bernadette Huber, Galerie im Traklhaus, Salzburg 1997 Männerbilder, das Männliche einer Person, das Männliche seiner Erscheinung - Schlagworte einer sozialen Geschlechterdiskussion, die in den letzten Jahren in der Kunst besonders intensiv geführt wurde. Bernadette Huber schließt in ihren jüngsten Arbeiten weder an diese Diskussionsstränge an, noch konterkariert sie diese; mit großer Ironie sucht sie vielmehr den Weg der Annäherung an dieses Thema. Sie stellt Frische und Originalität anstelle ausgreifend aufgebauter Kunstkonzepte; sie verbindet vielschichtige Ironie mit präziser Beiläufigkeit. Obwohl die Ausstellung in der Galerie im Traklhaus sehr genau durchgeplant ist, vermittelt die Werkstückreihe der Künstlerin doch vor allem Spontaneität und große Direktheit im gestalterischen Zugriff. Bernadette Huber operiert bewußt mit absolut gebräuchlichen Alltagsobjekten, Alltagsbildern, um diese zum einen durch die Kombination mit einem anderen Alltagselement - wobei hier etwa auch Textstellen als ein solches Kompositionselement zu gelten haben - bzw. durch teilweise minimale Gestaltungsmanipulationen in einen völlig neuen Sinnzusammenhang zu bringen. Ihre Kompositionen funktionieren auf der Ebene alltäglicher Wirklichkeit, aus der sie entnommen sind, wie Verkleidungen, wie karnevaleske Formen, die in ihrem "als ob" um so drastischer die Hohlheit des jeweils angestrebten Vollbildes aufzeigen: Die große Geste mutiert zum potemkinschen Dorf; der Anspruch auf dominante Fülle erweist sich als pure Kosmetik. Es ist allerdings nicht so sehr die Lust an der Demaskierung - im weitesten Sinn die Lust an einer Dekonstruktion -, sondern vielmehr die Pointierung auf das Selbstverständliche, auf das zwar nicht unbedingt für voll genommene, aber doch in seiner Existenz nicht grundlegend Hinterfragte, auf das die Künstlerin ihr und des Betrachters Augenmerk legt. Es sind in diesem Sinne "merkwürdige" Formgestalten, die Bernadette Huber schafft. Eine Welt, in der flache Schatten versuchen, die gesamte Fülle von Wirklichkeit zu manifestieren. Dies betrifft im besonderen die Welt der Erotik, deren verschiedentliche Accessoires eine Art Grundvokabular für die aktuellen Werkkompositionen der Künstlerin bieten, wobei sie hier sehr genau herausarbeitet, daß eine spezifische Absurdität nur über die Sichtbarmachung verschiedener allgemeiner Ebenen des Absurden erfolgen kann. Auch wenn es gleichsam naheliegend wäre, setzt die Künstlerin hier kein pauschales Aburteilen oder ausschließliches Den-Finger-in-die-Wunde-Legen. Sie bemüht sich hier vielmehr, die jeweils verwendeten Accessoires in ihrem jeweiligen Eigensinn zu erfassen - als seltsam vertraute Absonderlichkeit, die gesellschaftliche Geschlechtsstereotype gleichsam rund um sich selbst drehen läßt und die jeweilige Beziehung zum Betrachter als eine Frage neu formuliert. Diese (durchaus "Gretchen") Frage richtet sich vor allem an die Identität des einzelnen mit quasi "gesellschaftlich üblichen" Inhalten, sie stellt psychische Haltungen vor - durchaus im Hinblick auf deren Korrekturmöglichkeit, wie (wenig) weitreichend eine solche auch im Einzelfall sein kann. "Mit anderen Worten: Die Haltung "Von Mann zu Mann" und "Das verstehst Du nicht, meine Liebe" bedürfen bei uns keiner besonderen psychischen Disposition des einzelnen. Es bedarf einer besonderen psychischen Disposition und Erziehung, diese Haltung nicht zu haben." (Aus: Klaus Theweleit: Männerphantasien, 2. Bd., Frankfurt 1986, S. 385) |
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Bernadette Huber,
Galerie im Traklhaus, Salzburg, 1997 |
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Bernadette Huber,
Galerie im Traklhaus, Salzburg, 1997 |
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Bernadette Huber,
Galerie im Traklhaus, Salzburg, 1997 |
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Bernadette Huber,
Galerie im Traklhaus, Salzburg, 1997 |
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| Lukasz Guzek:
TO PLAY, OR TO BE. Krakow, 1999 tr.Robert Galazka According to one of the current opinions about artists, they have a desire to provoke. It is a part of the artist's contemporary mythology, a legacy of the epoch of modernist avant-garde movements. In fact, the matter looks altogether different: the artist is provoked by the surrounding reality and people who create it. Art is born in response to the world. The controversies appearing in and about art indicate the points of crisis in the area of culture. Hence, a work of art is frequently misinterpreted as the source of a problem, which leads to ignoring its true origins . Nevertheless, art is a good starting-point for considering the problems of a more general - cultural - nature. Especially contemporary, post-modern art, which, unlike modernism, is neither set on merely formal aims nor self- referential; on the contrary, it looks for content as a guarantor of its place in culture. Bernadette Huber's installation, The Disposability of the Madonna in an Individual View of the World and Individual Rules of the Game (Die Verfügbarkeit der Madonna im persönlichen Weltbild und Spielverhalten), is a typical example of contemporary art’s searching for its raison d’etre by placing a work in a cultural area of conflict. Bernadette Huber’s installation could easily be regarded as a provocation. Therefore, it makes possible an analysis of the genesis of conflicting tensions between art and the intellectual clichés that condition the cultural reception of a work of art. Such a broad outlook enables the work to become a functional model of contemporary art, which means that we no longer discuss specific, individual situations, but operate at the level of general ideas. Let me add here that the model of the conflict "the artist vs. the world" is falling into disuse today and the situation is also reflected in Bernadette Huber's installation. In its basic layer, the model is perfectly binary. The binary structure may seem too simplified to include all complication and diversity of man's cultural presence, all the aspects determining that we think and feel in a certain way and not differently, determining our specific views. But the basic structure of our thoughts and views is in fact binary, black and white. Besides, it only seems to us that the views are ours. They are really cultural clichés, an echo of the patterns and standards of thought passed on in the process of intracultural communication. Hence their simplicity: it is a condition necessary for implanting them in our minds. After all, our view of reality is black and white, we even "know" well what is black and what is white, or, to put it differently, what is good and what is evil, since it is in the sphere of so-called values that the instillation of the patterns and clichés serves as the basis of general culture's way of functioning and the forms it assumes. "Colors" result from the subsequent process of individualization, from life's "processing". The binary pattern of cultural structure is presented in Bernadette Huber's installation by means of the quotations excerpted from a prayer book and the speeches of Pope John Paul II on one hand, and from advertisements in erotic magazines on the other. In this work, the pattern took on the form of a field for playing a game of "heaven and hell" (or "hopscotch"), drawn on the floor of the gallery. The quotations were placed in the respective parts of the field, marking out the playing area. In addition to that, a game was being displayed on the monitor, serving as a sort of instruction and revision of the rules of the game if somebody had already forgotten his childhood. The texts represent two realities: the reality of the predominant religion and the reality of natural human needs, which, according to the universal cultural pattern, remain in opposition. Both Poland and Austria are countries where culture is subject to an extremely strong pressure of the Roman Catholic tradition. Therefore, the religious aspect in the work executed by the Austrian artist in Poland is not incidental. Bernadette Huber draws on the algorithmic elements that influence the general state of the minds. Yet she does not base her work on abstractions and metaphysical meditations isolated from life, but stays close to reality. The quotations illustrate the practical side of religious devotion: the way it is understood and put into effect in everyday life by individuals and the state officials responsible for social policy. Eroticism has also been captured in its reality here: whereas sex described in the magazines is pure fantasy, the advertisements are placed by real persons informing of their sexual needs and desires and assuming correctly that there are other people who feel the same way. The quotations constitute the first, basic layer of the work, which may be defined as the level of cultural reality. Its factual content guarantees its credibility, and at the same time paves the way for the introduction of the third element - the third layer of the installation. The third layer is the game. It is "superimposed" on the layer of the quoted texts, situated over it, so to speak; it is independent, but at the same time transparent. The Madonna - a self-propelled, remote-controlled figure constructed by the author for the installation - is the link between the two levels. Moving the figure along the playing field leads the player through the consecutive stages of the game, just as in the children's amusement (or in the instruction on the monitor). On one of the walls of the gallery there is additionally another Madonna in a small altar with a built-in mechanism for reproducing sound and voice - in short, a typical example of church-fair kitsch. It is perfectly complementary to the self-propelled Madonna; in that context, the latter does not seem a particularly bizarre notion. At the popular level everything is both possible and "good". The aesthetics of kitsch is associated with the binary structure of thinking. The artist emphasizes that meaning of kitsch, making it the main visual aspect of the work. The level of the game is the level of art, the sphere in which the artist operates. The model of the situation presented in the installation is as follows: the dominant culture and the social practices dependent on it define the playing area, whereas the artist, thrown into that reality and inevitably made a part of it, is provoked to join in the game. He cannot escape reality, but he can enter into a game with its elements. He plays to save his identity, to be creative, to be himself, to be an artist. In contemporary art, the artist is no longer a producer of aesthetic objects and art itself is not fulfilled in a thing called a work of art, as was the case in modernism according to its major slogan, "art for art's sake". The artist defines his position in relation to the world and his environment rather than in reference to art and formal issues. Although the game is patterned on the children's game that everybody used to play, it is now intended for adults. By means of something they have known "forever", the participants are to make a Freudian journey to the forgotten strata of psyche and bring to the surface the hidden factors determining the way of thinking and feeling. It is then that their deep structure and its binary character become apparent. The involvement of thought in a series of specific, "everyday" forms usually prevents us from looking so deeply in, from seeing through to the foundations. And even if such a style of thinking is not characteristic of a given player, it is now easier for us to realize its omnipresence around us, in the functional system of culture. The playing field is a model that presents what is typical and cultural, and not individual and personal. Each of us has to function in an abyss that culture opens up between the binary oppositions. We have to, because a conscious and radical departure from culture, if at all possible, takes place at the cost of escapism, which may be literal and involve changing one's residence, e.g. for a monastery in Rishikesh, but may also take the form of mental illness, or - most frequently - of anesthetization by unawareness. Living in the global village has not made any substantial changes in the cultural situation of a man who has absorbed the cultural model described above since childhood. Bernadette Huber invites us to play, proposes that the viewers participate in art, and thus persuades them to adopt the artist's point of view, to "get into his skin". The game results in the intermingling of the levels, in the activation of the sphere between extreme oppositions, which consequently becomes the most important. Relativism against the absolute - this slogan sums up the basic ideological premise of Bernadette Huber's work. The overcoming of the binary model has numerous consequences. Relativism emerges on the surface of culture as the essence of humanity, as a right of human nature that demands to be implemented in real life. It is also the most provocative, blasphemous element in our culture. Postmodernism has been accursed, ridiculed and vilified for glorifying relativism. At the same time, relativism is obviously inherent in human nature. The experience of relativism is the most common. To put it simply, without too much ideologizing and overinterpretation - it is human. Subject to the domination of the binary model, our culture refuses to legitimize this experience. Entering the game between religion and sex, the extreme elements of our culture, makes us realize that no sphere of human activity can avoid involvement in such a game. The game is something total - it is the nature of man, or perhaps of a man of this culture only; it is also an indication of the present time. Well, the author of these words comes from this culture too. There is no way of getting out of one's skin. However, one can always feel more comfortable in it. |
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Bernadette
Huber |
